Retoque digital

Quienes se interesen en el retoque digital orientado a la publicidad pueden ver la página de la uruguaya Tali Kimelman http://www.talikimelman.com/

En la página principal, bajo el título POST, hay algunos ejemplos que tienen un valor casi didáctico. Muestran la foto inicial y el resultado de la “postproducción” en casos que van de un ajuste de luces y tonos a la sustitución de partes del archivo original. Los ejemplos muestran simultáneamente la destreza de la retocadora y los artificios habituales de la fotografía publicitaria.

(agradecemos a Christian Arán que nos pasó la página de Kimelman, que no conocíamos).

Después de todo

Buscando ejemplos de macro fotografía en internet, encontré esta página: http://www.mzephotos.com/

Las imágenes - fotografías de insectos - son típicas. Más interesante me pareció lo que puede encontrarse clickeando el botón My equipment, a la izquierda en la página principal.

Pero este post no es una incitación al bricolage fotográfico sino a tomarse en serio lo que MZE dice con humor: After all, it’s all about nice and interesting pictures, isn´t it?

Tribus, de Iván Franco.

El viernes 6 de junio se presentó el libro de Iván Franco (Fray Bentos, 1961) titulado Tribus, ganador en la primera convocatoria realizada por el Centro municipal de fotografía (CMDF) para la publicación de un libro de autor.

Como si se tratara de dos libros unidos por su dorso Tribus tiene dos frentes, cada uno de los cuales abre un foto-reportaje independiente. Ordenados cronológicamente, el primero fue realizado en los años 1995-1996 en Paraguay, en dos comunidades de indígenas guaraníes. “Asomarse a los mbya” es el título de este trabajo que se exhibió en Montevideo y en Innsbruck (Austria) hace algo más de una década. El segundo, “Al mango”, documenta el Pilsen Rock 2004 a través del viaje en tren hacia Durazno y la participación del público durante los shows. Cada una de las series se acompaña con los textos informativos necesarios y otros de sobria poesía.

Fotografías en blanco y negro, contrastadas, documentales, cuidadosamente compuestas pero más interesadas en lo que guardan que en su diseño. Foto reportajes en la tradición de quienes se acercan con afecto a una comunidad que no es la propia. Creo que la serie realizada entre los mbya es más honda y que el autor volvió de Paraguay con algunas fotos que revelan esos delicados momentos de comunicación que los fotógrafos comparten a veces con las personas a quienes fotografían.

Todo lo que el libro contiene, imágenes y textos, es personal y auténtico. En eso, además de en la calidad de las imágenes, reside el valor de este trabajo que inaugura una iniciativa del CMDF que por primera vez permite a los fotógrafos uruguayos concursar por la publicación de un libro.

——–

Tribus puede adquirirse a 300 pesos en el CMDF, en San José 1360, de lunes a viernes de 10 a 19, sábados de 9.30 a 14.30 hs. El libro está en la escuela, si desean verlo.

_________

Una versión de esta nota se publicó en la diaria del 04.06.2008.

Cornell Capa (1918-2008)

Cornell Capa en Nueva York, en 1983. (FOTO: PETR TAUSK)

Algo más que el hermano de Robert Capa

ISABEL ESPIÑO

MADRID.- Cornell Capa era el hermano pequeño del legendario fotógrafo de guerra Robert Capa. Pero también era él mismo fotoperiodista, con históricas imágenes de John F. Kennedy o el golpe de Estado argentino contra Perón, además de editor y fundador del museo de fotografía International Center of Photography (ICP). El menor de los Capa ha muerto en su casa de Nueva York a los 90 años por causas naturales, según informó un portavoz del museo que él mismo había creado.

Al igual que Henri Cartier-Bresson es el padre del ‘momento decisivo’, Cornell Capa aportó a la fotografía con el ‘fotógrafo comprometido’, con imágenes que plasmaban su deseo de cambiar el mundo a través de la fotografía. Además de cubrir eventos políticos, el fotógrafo consagró numerosos reportajes en América Latina a la pobreza y las misiones.

“Cornell creía que las imágenes podían llevarnos a la acción”, ha declarado en un comunicado el director del ICP, Willis E. Hartshorn.

“El mundo de la fotografía ha perdido a un gran fotógrafo y un gran humanista; el mundo de la fotografía ha perdido a su mayor amigo y defensor“, ha lamentado Hartshorn.

Cornell Capa nació en 1918 en Budapest como Cornell Friedmann. En 1936, Cornell se trasladó a París, donde vivía su hermano André (Robert Capa), que pronto se haría famoso por la foto de la muerte del miliciano en la Guerra Civil española. Aunque inicialmente tenía la idea de estudiar Medicina, Cornell se dedicó a imprimir las fotografías de su hermano y sus amigos fotógrafos: David Seymour y Cartier-Bresson.

En 1937, se trasladó a Nueva York, donde consiguió un trabajo en la agencia que representaba a su hermano y, poco después, en el laboratorio de la revista Life. En 1939 publicaba su primera foto, una instantánea de la Feria Internacional de Nueva York,en la revista británica ‘Picture Post’.

Poco después de obtener la nacionalidad americana, en 1944, se incorporó al equipo de fotografía de la revista ‘Life’.

La década siguiente, inauguraría sus principales obsesiones: América Latina (donde viajó por primera vez en 1953) y la política estadounidense, con su primera campaña presidencial, la de Adlai Stevenson en 1952. Son también los años en los que se incorpora a la agencia Magnum. Tras la muerte de su hermano, en 1954 a causa de una mina terrestre en la Primera Guerra Indochina, Cornell dejó su trabajo en ‘Life’ y se incorporó a la mítica agencia fundada por su hermano junto a Cartier-Bresson.

Cornell fotografió campañas electorales de varios presidentes estadounidenses, como la de 1960 de John F. Kennedy. Asímismo, viajó a la URSS, donde pese a las trabas de la burocracia comunista logró memorables imágenes de la ortodoxia rusa, el Bolshoi o el escritor Boris Pasternak.

Volvió también a América Latina. En tiempos de Juan Domingo Perón visitó Argentina y documentó el golpe que lo derrocó en 1955, así como la Guerra de los Seis Días en Israel.

“Me llevó algún tiempo darme cuenta de que la cámara es una mera herramienta, capaz de muchos usos y al final entendí que, para mí, su papel, su poder y su deber son comentar, describir y provocar discusión, despertar las conciencias, evocar simpatía, poner en el punto de mira la miseria humana y la alegría que de otro modo habían pasado inadvertidas, incomprendidas e inadvertidas”, escribió en 1963.

Además de sus imágenes, Capa dedicó buena parte de su carrera a preservar el trabajo de su célebre hermano. En 1974, Capa fundó en Nueva York el Centro Internacional de Fotografía, una fundación que protege la obra de Robert Capa y otros fotógrafos. Era la prolongación natural de una iniciativa anterior, el Fondo Internacional para la Fotografía Comprometida, y se ha convertido en un lugar de encuentro de fotógrafos, el museo ha organizado centenares de exposiciones, talleres y conferencias.

____________

La nota que reproducimos aquí fue publicada en el sitio del diario El Mundo de Madrid. Gracias a Diana Mines que nos la envió. Naturalmente, hay más comentarios sobre la muerte de Cornell Capa en www.magnumphotos.com donde, además, pueden conocer algo de su obra. Seguramente, también en la web del International Center of Photography, ICP, del cual fue una figura destacada a lo largo de muchos años.

Hable con ellos

Estoy terminando el libro de Anne-Celine Jaeger Image makers, image takers (1), una colección de entrevistas a fotógrafos reconocidos en diversos géneros - arte, documental, moda, publicidad, retrato - y a un conjunto de curadores, directores de agencias y editores de medios como Libération o el New York Times Magazine, la agencia Magnum y la prestigiosa casa editora Steidl. Sin perjuicio de las críticas que puedan hacerse al trabajo de Jaeger - cierta falta de profundidad al preguntar - es un libro que disfruto mucho. Como fotógrafo, las entrevistas me parecen siempre estimulantes.

Image makers, image takers tiene un antecedente de fuste en el conocido libro de Paul Hill y Thomas Cooper Dialogue with Photography (2), notable por la lista de fotógrafos entrevistados y por la riqueza de las conversaciones.

_______

Entre ambos libros hay algo sucesivo y complementario. Hill y Cooper hablan con fotógrafos nacidos en torno al año 1900, muchos de ellos iniciadores de un modo de fotografiar - Man Ray, Brassai, Kertész, Cartier-Bresson, entre otros -. En la mayoría de los casos se trata de individuos cuyo background es, en comparación con la actualidad, menos fotográfico (varios eran o habían sido pintores) y relativamente local.

Jaeger, en cambio, dialoga con fotógrafos nacidos entre mediados de los años treinta y principios de los setenta, aproximadamente (falta en su libro una mínima biografía de cada uno de los entrevistados). Autores que emergen en el marco de una cultura fotográfica insoslayable - a pesar de que muchos dicen buscar su inspiración fuera de la disciplina - y en un contexto de referencias mas amplias.

Los primeros inauguraron estéticas, fundaron agencias y contribuyeron a crear los primeros departamentos de fotografía en prestigiosos museos, en una época en la que todo estaba por hacerse. Los segundos luchan por encontrar su voz en un mundo saturado de invenciones fotográficas. Es una descripción muy suscinta, pero por ahí puede pensarse la diferencia entre dos generaciones distanciadas por medio siglo y más de incesante trabajo fotográfico.

Vale agregar a esta pequeña lista el extraordinario libro de Ken Light Witness in our time. Working lives of Documentary Photographers (3). El autor, que comparte con sus entrevistados pasión y profesión, circunscribe su diálogo a fotógrafos documentalistas contemporáneos (Salgado y Richards reaparecen en Image makers…). La especialización le da al conjunto consistencia y profundidad. A diferencia de lo que ocurre en lo que llevo leído de Jaeger, los autores entrevistados por Light aparecen como menos instalados en la dorada esfera del éxito que como tipos enfrentados a dilemas, conflictos y limitaciones, lo que da los testimonios una cálida proximidad humana.

(1) Anne-Celine Jaeger, Image makers, image takers. Thames & Hudson, 2007. La editorial Océano lo publicó en castellano el mismo año bajo el título Creadores de imágenes. Se consigue en Montevideo (lo encontré en Yenny, de Punta Carretas Shopping, pero puede estar en otras librerías).

(2) Paul Hill y Thomas Cooper, Dialogue with Photography, 1979. Editado en castellano por Gustavo Gili con traducción del uruguayo Homero Alsina Thevenet. No lo vi en Montevideo, pero seguro se consigue en Buenos Aires. La porteña librería Cúspide vende por internet y envía por correo.

(3) Ken Light, Witness in our time. Working lives of Documentary Photographers. Smithsonian, 2000. No conozco traducción castellana. Se encuentra en www.amazon.com

Desde el vestuario: Denis Rouvre

Sortie de Match, traducido al inglés como Broken Faces, se titula el libro del fotógrafo francés Denis Rouvre compuesto de 160 retratos tomados a jugadores de rugby de la liga francesa al final del partido. A juzgar por los trabajos publicados en su sitio www.rouvre.com, el autor es fundamentalmente un retratista y un fotógrafo publicitario. Esta serie conjuga ambas destrezas pero destaca por su valor documental.

Sin mostrar las remeras sucias ni los vendajes sueltos por el piso, los personajes son encuadrados sobre un fondo neutro. Los rostros deslumbran con sus expresiones fuertes que hablan de la cancha embarrada, de un juego duro, de la embestida de un gigante de 120 kilos (así me lo imagino). Las fotos registran las heridas, los golpes en los cuerpos desnudos, los rostros deformados.

Su site tiene una gran navegabilidad: permite una rápida búsqueda de fotografías a partir de una botonera de thumbnails bien lograda. Casi sin excepción, las fotografías de cada una de sus galerías son de formato cuadrado, opción que da identidad a su trabajo.

Javier Dotta

Vea: Broken Faces de Denis Rouvre en www.rouvre.com

Metro Collective

Quienes se interesan en la fotografía periodística-documental seguramente frecuenten los sitios de Magnum y VII, por ser los más célebres del género. Hay, sin embargo, otros colectivos de autores consagrados a la fotografía “de realidad” (Pepe Baeza) que producen fotos de alta calidad en un lenguaje que desafía las fronteras entre el fotoperiodismo y el arte. Un tipo de fotografía donde conviven la referencia a lo real y a la actualidad propia del medio y del género, y un componente estético decisivo.

Las asociaciones se crean con el fin de ofrecer a sus posibles clientes las ventajas de lo colectivo: fotógrafos con estilos propios y distintos, radicados en lugares diversos. O simplemente para exhibir juntos su trabajo más personal sin que el propósito sea primordialmente comercial. Este es el caso de Metro Collective, una organización creada en 2003 que reúne a once fotógrafos de orígenes, trayectorias y residencias diversas.

Vean: www.metrocollective.com

Foto: Michael Bonfigli. Old San Juan, Puerto Rico, Jan 2008.

Marcelo Isarrualde

Vuelvo sobre la cuestión de la especialización vs. la múltiple competencia en fotografía, una disyuntiva que eventualmente se nos plantea en el desarrollo de nuestra carrera.

La diversidad puede referirse a distintas etapas de una carrera o al desarrollo de actividades simultáneas diferenciadas. Puede pensarse, cuando menos, desde desde lo estético, desde lo ético y desde lo económico (la indudable ventaja de desempeñarse bien en distintos géneros). Implica la especialización o la diversidad de nuestras destrezas técnicas y hasta una cierta cualidad psicológica y anímica para transitar de una fotografía a otra, a veces en el plazo de unas pocas horas, o para perseguir la misma foto a lo largo de décadas. Incluye, finalmente, la cuestión de nuestra identidad como autor, si acaso nos proponemos esta categoría.

El desempeño múltiple es una característica distintiva de Marcelo Isarrualde (1961), un fotógrafo uruguayo que reside desde hace años en Barcelona. Recorrer su sitio es descubrir, en primer lugar, su competencia en una diversidad de géneros comerciales pero también en proyectos personales, valiéndose, en ambos casos, de técnicas y formatos variados.

Isarrualde estuvo en Montevideo en noviembre pasado participando de FOTOGRAMA 07, expuso su trabajo Bismarck, el Hombre Araña uruguayo en el Museo Blanes y dio un interesante taller en el Centro municipal de fotografía.

Visiten: www.isarrualde.com

Foto: Calesitas, de la serie Bismarck, el Hombre Araña uruguayo.

Frank Horvat

Los alumnos de TRIS recordarán este libro de Frank Horvat, que usamos en clase. Pueden (re) visitarlo en www.horvatland.com

No diría que Horvat es un “gran” fotógrafo en el sentido que utilizamos esta expresión para referirnos, por ejemplo, a Henri Cartier-Bresson o a August Sander - menciono dos nombres que el mismo Horvat refiere como maestros -. Pero los “grandes maestros” tienen algo de intangible e inalcanzable. Piensen, por ejemplo, en Sebastiao Salgado, el escenario de cuyos reportajes es el mundo entero. Es difícil identificarse con proyectos de esa envergadura cuando empezamos a tomar fotos, y aún mucho más adelante.

Quisiera destacar dos rasgos de Horvat que me parecen interesantes. En primer lugar, sus competencias son variadas: reportaje a la manera de la fotografía de prensa, modas, trabajo personal, composiciones digitales. Horvat pertenece a esa clase de autores que va y viene con solvencia a través de las fronteras que separan a la fotografía en géneros, usos y técnicas. (Podríamos discutir más adelante la cuestión de la competencia múltiple versus la especialización en fotografía).

En segundo lugar, cierta “desacralización” del acto de fotografiar, que integra a su vida diaria. Sus dos últimos trabajos personales - 1999, a Daily Report y La Veronique - retratan los escenarios, seres y ocasiones de su cotidianeidad.

En su sitio encontrarán también un conjunto de entrevistas a fotógrafos hechas por él mismo. Entre ellas, una realizada a Josef Koudelka que, conocida su reticencia a hablar de fotografía, es casi una rareza.

Visiten: www.horvatland.com

Amateur

Esta foto pertenece a la serie Amateur, un trabajo hecho con pequeñas cámaras digitales que debe mucho a 1999, a Daily Report, de Frank Horvat (ver post siguiente) y a un cierto deseo de libertad, liviandad y gozo en la toma de fotos, que los fotógrafos de profesión acaso vamos perdiendo.

Quisiera discutir acerca de lo amateur como vínculo con la fotografía y de lo que ocurre con ello en el camino de la profesionalización.

Hay, en primer lugar, una forma despectiva de entender lo amateur por oposición a lo profesional, como la combinación de una técnica inexperta y un uso convencional de la fotografía. Cuando digo uso convencional me refiero a la preferencia por ciertos temas desacreditados entre los profesionales: la familia, vistas “exóticas” durante los viajes, determinados paisajes, otros.

Algunos sostienen que lo que distingue al profesional es que vive de la fotografía, es decir, que cobra por su trabajo. Quizás esta afirmación vulgar encierre más verdad de la que aparenta puesto que - es cierto - nos pagan por tomar fotos sólo cuando fotografiamos para otros. Vale decir, i) cuando interpretamos las necesidades de otros (nuestros clientes), y ii) cuando entramos en los usos codificados de la fotografía: prensa, publicidad, casamientos, arte, donde nos apegamos a ciertas fórmulas.

Pero hay también una forma luminosa de entender lo amateur: la que se entrevé en la bella confesión de Kertész: “I am an amateur and I intend to stay that way for the rest of my life. I reject all forms of professional cleverness or virtuosity… As soon as I have found the image that interests me, I leave it to the lens to record it faithfully (…) gather a memory or a document; that is pure photography”. Todo un manifiesto a favor de una fotografía sin alarde ni artificios.

Kertész declaró esto en 1930, antes de su penosa experiencia en los Estados Unidos donde debió ganarse la vida fotografiando interiores de casas. Casi con las mismas palabras lo repitió en 1963, a los 69 años de edad, cuando empezaba a reencontrarse con su trabajo personal: “Amateur period? I regard myself as an amateur today, and I hope that`s what I will stay until the end of my life. Because I´m forerever a beginner who discovers the world again and again”. (Ver André Kertész, de Sara Greenough, Roberto Gurbo, Sarah Kennel. Princeton University Press, 2005).

Kertész tomó fotos hasta el último día de su vida. Sus biógrafos se han encargado de publicarlas. Verlas, es una lección. Revelan el incesante afán de fotografiar con un candor amateur que décadas de oficio y profesión no apagaron.

——————————————————————————————————

La foto de Kertész fue tomada del libro de Greenough, Gurbo y Kennel.

Hablan los fotógrafos

En pocos días se cumplirá un año de la visita del presidente de los Estados Unidos, George Bush, a Uruguay. El dato no tendría relevancia aquí si no fuera porque entre todas las polémicas que desató, una involucraba directamente a la fotografía.

Durante una de las marchas de protesta, un grupo de manifestantes agredió a los fotógrafos de prensa acusándolos de que sus fotos servirían para identificarlos. Esa noche se rompieron algunas vidrieras y en los días siguientes la ministra del Interior declaró que solicitaría imágenes a los medios con el fin de identificar a quienes habían producido los daños. Pocos días después, un joven fue procesado por el delito de subversión. Los diarios informaron que se lo había individualizado mediante imágenes provistas por la prensa. La profecía de los manifestantes se cumplía y los fotógrafos quedábamos atrapados en el papel de “tiras”. El fotógrafo del semanario Brecha, Alejandro Arigón, fue amenazado. Fueron a buscarlo a su lugar de trabajo.

Todo esto sirvió para que nos reuniéramos y redactáramos una declaración que, pasados los hechos que la provocaron, mantiene su vigencia y vale la pena conocer. Fue publicada en el blog Fotoperiodistasuy. Si prefieren imprimirla, abajo va un .pdf.

La foto de arriba fue tomada al final de la noche cuando la policía, que había estado ausente durante las manifestaciones (la uniformada) recorrió 18 de julio y realizó numerosas detenciones, la mayoría de ellas sin justificación aparente, como la de esta chiquilina.

Vea: El manifestante, los fotógrafos, la policía y los medios en Fotoperiodistasuy.

el-manifestante-los-fotografos-la-policia-y-los-medios.pdf

Foto de arriba: 18 de julio y Yaguarón, Montevideo, 9 de marzo de 2007. Ricardo Antúnez / la diaria.

En el parque japonés

Un amigo me pasó el link a The Morning News, una revista en línea con algo como de diario impreso en la portada. Un diseño austero que se agradece, con todas las funcionalidades de la publicacion en internet.

Cada semana, TMN actualiza una galería que con cierta frecuencia presenta una muestra fotográfica (recorran el archivo de galleries utilizando el browser que está al final de la portada). Las muestras se acompañan con un texto editado como para leer en pantalla. La mayor parte de las veces es una entrevista al autor.

 

Nunca había visto algo parecido a The Park, del japonés Kohei Yoshiyuki (en el archivo de las galleries aparece bajo el nombre Peepers). El comentarista de la muestra, Vince Aletti, acierta cuando dice: “His park pictures recall cinéma verité, vintage porn, front-line photojournalism, and the hectic spontaneity of paparazzi shots stripped of all glamour”. Traducción aproximada: “las fotografías de Yoshiyuki recuerdan el cinéma verité, el porno retro, el fotoperiodismo de primera línea y la agitada espontaneidad de la fotografía de paparazzi despojada de todo glamour.”

Vea: The Morning News; The Park, de Kohei Yoshiyuki.

 

Todd Deutsch

Cuando inauguramos TRIS, en 2004, hicimos un ciclo de cuatro exposiciones bajo la consigna álbum de familia*. Todd Deutsch, de Minneapolis, participó con una serie que entonces era una proyecto en curso y se llamaba The Every Day Picture Project. Su trabajo consistía en publicar diariamente una foto de familia en su sitio web. Todd asumió ese desafío cuando nació su tercer hijo y la familia ingresó en una etapa de estrés agotador. Finalmente, el proyecto se reeditó bajo el título Family Days. Más recientemente, produjo la interesante serie Gamers, que documenta la competencia entre aficionados a los videojuegos.

Vea: www.todddeutsch.com

* Álbum de familia, ciclo de cuatro exposiciones, TRIS, agosto a diciembre de 2004. Todd Deutsch / The Every Day Picture Project; Daniel Sosa /Álbum de familia; Osvaldo Ancarola / Mi familia tiene cáncer; Ricardo Antúnez / Fotografías inmediatas.